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当代雕塑家金迪博士 2020年至2021年是人类历史的转折点，因为新冠病毒暴露了人类的许多弱点。在这场根深蒂固的流行病中，我们有一个罕见但短暂的机会来反思、重新构想和调整我们的世界。 解决人类面临的因流行病带来衰退和死亡而导致的生存困境的共同解决方案是什么？ 如何促进我们的世界所需要的深刻变革？ 由于这场流行病，美术行业步履蹒跚，持续动荡：博物馆、美术馆和拍卖行都不得不完全关闭或重新开放，但由于戴口罩和保持社交距离的限制，出席人数有限。 艺术家们可以将此视为一个重振和重塑创作过程的机会。 唤起新伯里克利时代 他们可以通过发现新的艺术表达方式和主题，描绘人类无尽的复杂性和我们存在的潜在无限性，从而努力创作出与流行病所诱发的邪恶现实产生共鸣的作品。艺术家和他们的赞助商可以挺身而出，接受这种转变，以保持和扩大相关性和永恒性。 通过重温历史，艺术家们可以重新燃起我们的希望，也可以像他们在公元前5世纪的伯里克利时代那样留下印记。2021年，我们进入了一个新时代——一个使画家、雕塑家和建筑师努力在新冠疫情的空虚中找到相关性，从而对对艺术有了重大贡献并被铭记的时代。在恢复活力的过程中，他们将在一个潜在的新伯里克利时代留下自己的印记，就像古希腊伯里克利时代的艺术家一样。 这是一个有关键性标志的时代，艺术参考既回顾过去，又暗示未来。艺术品不是为了博物馆准备的，而是为了激发人们的兴趣——这一奉献精神也可能成为我们新冠时代的主题。在雕塑方面，希腊人对自己最满意；他们在家里和公共场所摆满了青铜和大理石雕像。 栩栩如生而又不朽 雕塑中掷铁饼者的姿势所表达的能量，捕捉到了凯洛斯在旋转运动员释放铁饼的瞬间前停滞不前的时刻，这是希腊艺术从静态雕塑的古老时代进步的一个例子。这种新的比例感和运动感使这尊雕像栩栩如生，但却不朽。它展现了一幅未来生活的画面，激发了我们的抱负。 
希腊的古典时代始于波斯战争的动荡之后，当时的和平与国家建设导致了黄金世纪的全盛时期。这是一种经典的表达形式，在经历了多年的危机和不确定性之后，他正在向新的解释和彻底的重新定位过渡。伯里克利时代在哲学、政治和艺术方面以许多第一的时期而闻名。 走向我们存在的无限 伯里克利——一位政治家、演说家和将军——预见到了世界上有史以来最先进的政治共同体的诞生。在这样做的过程中，伯里克利试图实现人类的两大激情——即不朽和满足，以此逃避战争中的死亡人数。与现在的情况相当类似，流行病中出现了不必要但不可避免的死亡，这就需要更大的追求——无限的追求。 
 作为一名当代雕塑家，我努力深入探讨我们存在的无限领域。 无限一直是一个有趣的话题——从我们记事起，这个领域就抓住了人们的思想。伯里克利认为，对永生记忆的共同渴望战胜了对超越自我事业的奉献。哲学家和宗教都将无限视为核心原则之一，他们认为人的灵魂是不朽的，不会与其血肉伴侣——肉体一起消亡。 一段新的出发和觉醒的时期 从这个意义上来说，变形的永生是我目前的重点作品。我正在探索一个位于永生边缘的区域。人们渴望留下一种与生俱来的遗产，就像对实现的永不满足的渴望一样。我的铜像描绘了一位在生命黄金时期的优雅的女士，倚靠着她最后的安息之地。她预见到自己的死亡，并带着一种使命感指向未来。死亡可能不是生命的终结，而是另一个维度的假设。 我越来越清楚地认识到，新冠疫情带来的战斗将引发一段新的离别与觉醒时期。将有大量的实验；将会有很多种风格，但是会和以往一样，不会有明确的答案。最终，多元化的风格才是最终结果。 尽管如此，这门新兴艺术仍然有一条共同的线索——追求永恒，并深刻地反映出一开始实现及最终到无限的存在感。谦虚地说，我希望为新的伯里克利时代的繁荣做出贡献，因为这将是一个基于长期导向和可持续发展理念的时代，是包括无限的时代。 关于金迪博士 金迪博士是一位瑞士雕塑家，他用粘土和青铜制作三维物体。她探索了人类状态的裂痕，同时提供了控制凶猛和轻浮的衰退状态的方法——最终实现无限。她的作品将于2021年10月至2022年1月在巴塞罗那欧洲现代艺术博物馆展出。 除非备注，攝影来源 Dr. Gindi

巴勃罗·毕加索是20世纪上半叶最重要、最有说服力的艺术家之一。他主要与一个开拓立体主义运动有关，同时也对超现实主义、象征主义和一系列在20世纪20年代持续存在的其他古典风格做出了重大贡献。 与同时代的许多画家不同，毕加索对风格持兼收并蓄的态度。然而，他的作品通常以一种单一而显著的方式为代表，使他能够很容易地交换的另一种，有时甚至在同一件作品中交换风格。或许正是这种转换风格的能力，让他在这个行业保持了长久的生命力。尽管艺术家在毕加索的一生中来来往往，但直到1973年他生命的尽头，他仍然活跃在艺术界。 根据一些记录，估计毕加索总共创作了5万多件艺术品，令人难以置信。他的作品影响了许多风格和运动，即德国表现主义、建构主义、漩涡主义、未来主义等等。 蓝色时期 是什么导致了毕加索的蓝色时期 尽管毕加索被认为是有史以来最伟大的艺术家之一，但他并不总是像他的作品所描绘的那样成功或自信。事实上，当他刚开始成为一名艺术家时，他面临着许多悲剧、情感脆弱和贫困，这些显然影响了他的作品。像许多艺术家一样，毕加索将自己的许多情感注入了被认为是他第一部开创性作品的创作中，被称为“蓝色时期”。 卡萨吉马斯之死对毕加索的影响 毕加索的蓝色时期始于1901年，当时毕加索只有19岁。当时，毕加索与一群激进作家、无政府主义者和艺术家有着密切的联系。他们当中有一位毕加索亲密的朋友，是西班牙诗人，名叫卡莱斯·卡萨格马斯。尽管卡莱斯·卡萨格马斯才华横溢，但由于情人发生意外，他在当年的一次晚宴上开枪自杀。 卡萨格马斯的突然去世促使毕加索开始用蓝色绘画。同胞的去世深深地影响了他，也正是这种影响催化了他的绘画作品。毕加索在蓝色时期创作的所有绘画都以冷色为特征，比如令人恶心的绿色、深灰色，当然还有忧郁的蓝色。 毕加索在蓝色时期的第一幅画是在他朋友死后不久创作的，取名为《卡萨吉马斯之死》（1901）。在画中，卡萨吉马斯似乎裹在白床单里，仿佛睡着了。不过，毕加索也在主体的太阳穴上加了一个弹孔，以表现夺去他生命的悲剧。 蓝色时期自画像 在创作蓝色时期的第一幅画时，毕加索作为艺术家还没有发言权，也没有卖出足够的画来养活自己，这进一步恶化了他的心理状态。毕加索在创作自己的自画像时，一直使用蓝色。在这幅画中，他把自己描绘成一个50岁的体弱多病的人，而不是一个20岁的、职业生涯中充满了无限的可能的画家。 他为什么选择蓝色？ 毕加索选择用蓝色来传达他当时所感受到的痛苦和凄凉。在蓝色时期，毕加索继续把被遗弃者作为他的绘画主题。除了像他这样失败的人或失败的艺术家，他还以被认为是流放和隐士的主题，如醉汉、无家可归者、妓女，当然还有那些努力跟上日常生活压力的个人。 通过在背景中使用蓝色，毕加索能够传达出作品中脆弱的元素。蓝色还强调了各种方面的麻烦，如在一张画布里表现创造性的痛苦，损失，贫困，悲伤和沮丧。有趣的是，毕加索在这个蓝色时期的大部分作品都是在早期作品的基础上完成的。其中一件在蓝色时期创作的作品是老吉他手。 玫瑰时期&向立体主义的过渡 1904年后，毕加索的风格和调色板开始改变，变得明亮。在将近一年的时间里，他开始了一种被称为“玫瑰时期”的绘画风格，这种风格比“蓝色时期”快乐得多。与蓝色不同的是，玫瑰时期的特点是使用红色和粉色，这两种色调更令人振奋。 在关注红色时期一年左右之后，他的风格发生了变化，颜色也变暗了，表现出更加坚实和厚重的外形。正是在这一时期，毕加索与乔治·布拉克相遇并成为亲密的盟友。两者共同创造了一个新的运动，被称为立体主义。 老吉他手，1903年 引言 老吉他手这幅作品是1903年在西班牙巴塞罗那创作的，当时正值毕加索的蓝色时期。这位老吉他手是画布上的一幅油画。和当时的许多绘画一样，它的特点是单色的蓝色调色板和一个整体贫瘠的色调，但是毕加索用一个更温暖的棕色色调渲染了吉他。 这幅画显示了什么 老吉他手，有时也被称为盲人吉他手，以一位皮肤和骨骼清晰可见的老人为特色。尽管明显虚弱无力，但老人似乎紧紧抓住了吉他，仿佛他在为自己严肃的处境寻求救赎。他那苍白的蓝色皮肤，虚弱饥饿的身体，以及破旧的衣服，都描绘了老人可怜的样子。他的失明和周围的气氛进一步突出了他的悲伤状态，吉他手的悲伤也反映了这一点。他的环境也被描绘成代表当时下层阶级的生活。 中等及其他特性 毕加索用油画的工艺完成了这幅杰作。通过现代红外技术检查这幅画，除了老盲人吉他手，画中还有三个人物。这三个人分别是一位老妇人、一位年轻女子和一只动物。如果你仔细观察这幅画，你可以用肉眼看到这三个人物。一些历史学家认为毕加索的本意是画上人物，而另一些人则认为毕加索穷得买不起画布。于是，他在家里的一张已经有这些人物的木桌上画画。 分析与意义 在这幅画里，盲人拿着的吉他是唯一有颜色变化的元素。所用的棕色象征性地代表了这个人可以用来救赎自己或使自己摆脱贫困状态的唯一工具。毕加索用棕色作为吉他，而不是无处不在的蓝色来代表老人生存的唯一希望。因此，毕加索把这个人画得像是倚着吉他，希望他创作的音乐至少能让他从可怕的处境中解脱出来。 巴勃罗·毕加索的老吉他手今天仍然具有普遍的吸引力，因为这些年来，与下层社会所面临的困境有关的情况没有太大改变。毕加索在老吉他手身上精心挑选了一些元素，以引起观众的反应。 设计使用悲伤、忧郁的状态的目的是让旁观者产生疑问，为什么工人阶级和上层阶级的人继续繁荣，而那些最需要帮助的人继续在贫困中煎熬。 有人认为毕加索的灵感来自英国画家乔治·弗雷德里克·华莱士的名画《希望》。 老人是艺术家的象征？ 据一些人说，毕加索用这位老人作为他的作品的主题，来表现大多数艺术家经常被迫过的与世隔绝的生活。尽管音乐和艺术往往是将社会联系在一起的东西，但这些因素也成为艺术家与世界其他地方隔离的负担。然而，尽管与世隔绝，这位吉他手仍然依靠它生存。因此，这位老吉他手的作品不仅代表了毕加索对社会的批判，而且也是作为人类存在的隐喻而创作的。 由于这位老吉他手是在毕加索的蓝色时期创作的，这幅画代表了极大的悲伤和悲伤。毕加索用蓝色和深色突出了作品忧郁的色调。毕加索当时所经历的艰辛也反映在艺术品中。这幅作品描绘了一个驼背在吉他上的穷人，代表了毕加索当时的低生活水平。 老吉他手的价值和地位 一幅画在公共场合展出比在私人住所展出更值钱。这位老吉他手坐在芝加哥艺术学院，那里每天都有成千上万的人观看。该领域的一些专家认为，这幅画的价值超过了1亿美元，但由于这幅作品可能永远都卖不出去，它实际上可能被认为是“无价之宝” 视频：毕加索纪录片 2018 BBC TWO Documentary -- Picasso's Last Stand -- HD 720p.Watch this video on YouTube 59分 11秒 “老吉他手”下面的旧素描 如前所述，毕加索在蓝色时期的作品通常包括覆盖旧草图。就像他在蓝色时期创作的许多作品一样，这位老吉他手的作品下面也有一些用肉眼看不见但放在X光机下面却很明显的老草图。因为这件作品有很多层的颜料，这位老吉他手的感觉和外表显得波涛汹涌，这描绘了毕加索强烈的情感和画家不断变化的心境。

草间弥生（Yayoi Kusama）在2019年庆祝了自己的90岁生日，她是日本艺术领域的先驱艺术家和传奇人物。尽管她特意地制作出了可以禁得起室外磨损的独特作品，但是她是以在需要时以巨大规模再现自己的艺术而闻名。她的职业生涯跨越了60余年，在此期间，她的作品成功地进入纽约现代美术馆、洛杉矶艺术博物馆、泰特现代美术馆等博物馆的馆藏。 草间弥生（Yayoi Kusama）被广泛认为是波普艺术的先驱者，影响了像安迪·沃霍尔（Andy Warhol）等一大批的伟大艺术家。 草间弥生（Yayoi Kusama）的雕塑 草间弥生（Yayoi Kusama）于1994年创作了她的第一个雕塑，那是一个带有明显斑点图案的纯黄色南瓜。虽然这第一个作品和其他一些作品被放置在了日本，但有许多其他作品分散在世界各地。其中一些著名的作品有：位于日本长野松本市艺术博物馆，2002年的《梦幻之花》；位于法国里尔的Euralille，2003年的《香格里拉郁金香》（Tulipes de Shangri-La）；位于日本新泻，2003年的《绽放的Tsumari》；位于洛杉矶比佛利山庄市议会，2007年的《生命的赞美诗：郁金香》。 草间弥生（Yayoi Kusama）创造了某种方式来讲述独特的故事。许多人一定已经注意到了南瓜雕塑，它们在她的作品中的出现方式对其作品产生了标志性的效果。然而，尽管许多植物般的雕塑是专为机构设计的，但那并不是她所做的全部。为了保护绘画作品并使其免受室外因素的影响，作品在铸造时使用了经玻璃纤维增强的耐用塑料。然后将其涂上氨基甲酸酯以达到完美的效果。 艺术品 直岛上的标志性黄色南瓜 位于日本香川县直岛岛上的用黑色点缀的黄色大南瓜，很快变成了当地的标志性物体。 它别具一格，与当地的自然环境形成强烈的对比。它的位置非常靠近水，因此水的反射效果使该雕塑更加标致。该位置靠近直岛港口码头，因此前往岛上的大多数游客都会参观该艺术品。 草间弥生（Yayoi Kusama）的南瓜成为了直岛社区关注艺术的原因之一，岛上遍布着许多有趣的艺术作品。可以肯定地说，随意放置的雕塑变成了鼓舞人心和独特的东西。草间弥生（Yayoi Kusama）独特的视野以及其雕塑作品已成为岛上真正的标志性代表，它将使该岛在未来数年内声名远扬。 Kabocha by Yayoi Kusama in Naoshima 4KWatch this video on YouTube 1分 波尔卡圆点雕塑和树木环绕 按照维基百科的说法，草间弥生（Yayoi Kusama）从小就有幻觉和严重的强迫性念头，而且这些念头通常是自杀性的。 某些艺术评论家认为，她在作品中使用圆点的行为可以减轻她的自杀念头。她的话语也进一步表明了这一点： 如果不是为了艺术，那我早就自杀了。 圆点也可以看作是她创作的能量源泉，她的发言也证实了这一点： 圆点具有太阳一样的样式，是整个世界以及我们生活的能量的象征，也具有平静的月亮一样的样式。 圆润，柔和，多彩，不知不觉中，圆点开始运动……圆点是通往无限的一种方式。 她开始用圆点涂鸦诸如帆布，地板，墙壁，家用物品和裸体助手之类的表面。 最终，它们成为了她作品的鲜明标志。 大多数无限网或波尔卡圆点直接来自她的幻象，这些幻象受到超现实主义的影响。超现实主义运动起源于1900年代中期的巴黎。 超现实主义与达达主义密切相关，达达主义是它的主要源头，它们都被认为具有革命性的思维和行动方式——一种生活方式，而不是一套文体形态。该运动的中心思想是释放潜意识的创造力。 – Chilvers, 2003 通过观察圆点图案，我们可以看到它的表面上只涂了两种均匀的颜色，没有高光或色调。 这种绘画风格起源于20世纪40年代末和20世纪50年代初的美国。它是由马克·罗斯科（Mark Rothko）和巴尼特·纽曼（Barnett Newman）等人开创，这两位艺术家的作品也是草间弥生（Yayoi Kusama）的作品的比较对象。 Yayoi Kusama's Installation:

奥维弗尔·埃利亚松（Olafur Eliasson）在2003年创造了一个巨大的作品，该作品几乎占据了伦敦泰特现代美术馆的全部空间。这件艺术品，一个从雾中升起的太阳，必定会让所有参观者感到敬畏。在这个名为《气象计划》的作品中，斯堪的纳维亚艺术家重新创造了太阳和天空，占据了涡轮大厅。 除了黑色和黄色以外，其他任何颜色都是看不见的 整个空间被一层薄雾笼罩着，薄雾像是从外面来的一样渗入整个空间。远远望去，如果薄雾逸入到外面，游客就会在天花板那里看到下方作品的空间复制品-就像一面镜子一样。大厅尽头还有200盏低钠单频灯。单频灯主要适用于路灯，其发光频率很低，除了黑色和黄色外，其他任何颜色都看不见。因此，这些灯将环境的视野和景观用两种色调融为了一体。 是什么启发了奥维弗尔·埃利亚松？ 这个想法是奥维弗尔·埃利亚松（Olafur Eliasson）在伦敦时构思的。在一个温暖的日子，尽管前一天还下着雪，人们在谈论全球变暖。他谈到天气是一个动态的元素。“今天你将看到以后永远看不到的云朵。” 奥维弗尔·埃利亚松（Olafur Eliasson）说，他想表达这一点。 靠近太阳的错觉 《天气计划》试图给观众一种在云层中接近太阳的错觉，但现实是，一个巨大的半圆悬挂在一个镜面天花板上，反射使它看起来像一个完整的圆。从天花板上可以看到下面空间的复制品，是天花板上的镜子造成的。观众们也帮助着形成了这些效果，因为经常可以看到一些大人和小孩仰面躺着，盯着天花板，做出不同的手势，这样他们就可以看到自己的倒影。 展会视频 The Weather Project, by Olafur Eliasson, at Tate Modern.Watch this video on YouTube 2分 8秒 《天气计划》的意义 这件艺术品不是为了制造幻觉而创作的。这样做的目的是让观众对其创作有一个细微的了解。《天气计划》展示了对宇宙组成部分的精通，尽管这项工作本身就是一种调侃，取笑了我们对天气要素的理解。想象一下：有一个不热的太阳和一个有尽头的天空。这件作品的位置，涡轮大厅，发出嗡嗡声，声音与观看奥维弗尔·埃利亚松（Olafur Eliasson）的创作时的感受相结合，使观众与这个地方融为一体。它给人一种亲密接触的感觉。另外，球体周围的红光与火星非常相似。 视频 Olafur Eliasson – 'Collective Experience' | TateShotsWatch this video on YouTube 3分 41秒 观众的作用 想法是让观众自由参与艺术家的创作。涡轮机大厅里的所有人都被看作是黑色的小侧影，他们都被放在橙色的光场上。即使人的规模很小，他们也是这一非凡景象和独特体验的一部分。 分析 有趣的是，当我们不从个人的角度去思考时，我们会更加意识到我们的人性和纽带。那时我们才感觉到太阳系对我们有多么重要，我们在整个太阳系中是多么微不足道。奥维弗尔·埃利亚松（Olafur Eliasson）使观众思考了这些事情，同时在整个过程中引入了新的理念。他在我们面前放了一面镜子。现在我们可以看到自己的所有“成就”，无论是简单的或不简单。 为什么奥维弗尔·埃利亚松（Olafur Eliasson）不想拓展这个受欢迎的展览 即使奥维弗尔·埃利亚松（Olafur Eliasson）因为《天气计划》如此受欢迎而被要求拓展这个项目，但是他表示不希望该作品成为一个怪诞的奇观。他想让人们更多地关注这一切背后的意义，而不是让它成为一个明目张胆的娱乐片。这才是真正推动事物向前发展并以强有力的方式进化的原因。 视频 Celebrating

“愤怒，花投掷者” 或“爱在空中” 是班克斯(Banksy)最具标志性的模具之一。它显示蒙面的巴勒斯坦人扔了一束鲜花。 班克西以公开展示自己的作品而闻名，在“ 愤怒，花洒”的情况下，在墙壁等地方供公众观看。尽管如此，他的大部分公共绘画经常被转售，即使这意味着要移除其上已涂有油漆的墙壁。 工作说明了什么? 该图首先出现在Beit Sahour在耶路撒冷雪铁龙/标致汽车经销店对面的高速公路车库的一堵墙的墙上。画中的那个人戴着围巾和棒球帽，似乎把花朵对准了愤怒的人。 男人和鲜花包装物是黑色和白色的。从包装纸上伸出的花朵和茎是彩色的。该肖像让人想起1960年代街头和校园骚乱中​​的图像。在该男子试图用鲜花轰炸该设施时，可以从他的姿势中看到愤怒和沮丧. 2005年，在耶路撒冷举行了一次同性恋游行，但参与者遭到示威者的伏击，这些示威者刺伤了三人，炸伤了许多其他人。许多评论员认为，图片中的黑人和白人代表抗议者或暴徒。他的装备通常与暴力有关。向后戴着头巾和帽子以掩盖身份，而花朵则是彩色的，鲜艳的，多色的，这可以解释为同性恋自豪标志的隐喻。法师们身上的花朵象征着和平解决冲突的希望. 那个地点 班克西在分隔以色列和巴勒斯坦的760公里长的墙壁上作了画，艺术家说：“实质上将巴勒斯坦变成了世界上最大的露天监狱。” 2005年，当他在墙上用壁画粉刷墙壁时，其中一位居民告诉他 我们不希望这堵墙变得美丽，我们不希望这堵墙， 回家. 地点：西岸伯利恒Ash Salon Street 含义 壁画中的面部表情和男人的姿势清楚地表明存在暴力意图。但是，班克斯通过用石头，莫洛托夫鸡尾酒或炸弹代替花束来倡导和平而不是暴力。该位置本身对于图像背后的信息很重要. 许多人将此壁画与那些事件联系在一起，但它也可能受到中东暴力动乱的启发。但是，班克西是众所周知的和平主义者和反战者。几件事可能影响了壁画. 此图像中的花束不仅象征着和平，生活和爱情，还可能与对旧时代宗教冲突中丧生的纪念有关。这件作品是班克斯运用艺术传达具有社会意义的信息的一个很好的例子。. “愤怒，献花者”是班克斯最重要，最抢手的艺术品之一。自生产以来，它已被复制到电话套，海报，T恤和许多其他类型的商品上。该图像也是Banksy于2005年制作的标志性书籍“ 墙和件”的封面上的图像。 ““愤怒，献花者”是一部功能强大的作品，通过使用涂鸦向公众传达了重要的信息。图像的简洁性也使作品更有效，因为它可以立即传达出观点。视觉技巧，立即引起观众的注意。在一些文章中引用了这位画家的话，说他是如何开始使用模版艺术的。在他职业生涯的早期，当局几乎抓住了他. 像他的许多其他作品一样，”愤怒，献花者”从政治和社会形势中汲取灵感，并始终希望公众意识到发生的事情，因为某些事件可能会席卷整个公众。班克斯利用这些情况不仅使自己知名，而且使自己的作品广为流传，并向公众宣传世界各地正在发生的事情. 其他版本 Banksy在画布上创建了多个版本的壁画，甚至在红色背景上发行了150 Rage，”花投掷者”（爱在空中）签名版画以及500张未签名版画。据信图像中的花卉替代品是由朱迪思·希尔（Judyth Hill）的诗”工资和平“（工资和平）启发的。. 结论 通过这件作品传递的信息以及可以链接到它的其他事件，班克斯创建了一张基本肖像。由于诠释这件艺术品的方式不同，他有效地将不同意见的人们团结在一起。但是，班克西的做法比平常更具争议性。许多人不同意和平主义及其在耶路撒冷的位置，那里有大量的军队和枪支. 然而，这件作品迫使观众考虑为什么他们可能想向其他人投掷有害的东西，如果他们能以自己的方式抛弃一些有用的东西的话。它使看到它的每个人都将破坏性思想与如果采取建设性行动而可能发生的事情交换掉，来考虑破坏性行动的后果。 “愤怒，花投掷者”重新定义了处理“邪恶”的方法，并假定有时出路可能来自“善”。 除非备注，攝影来源 班克斯

玛莉娜·阿布拉莫维奇可谓是有史以来最出色，且最大胆的表演艺术家之一。她以突破性的表演艺术能力而著称，并以自己的身躯以诠释出意义，耐力和抗衡身体威胁所留下的伤疤。因此，多年以来，她对表演艺术产生了重大的影响。她的作品证明了她对表演艺术的奉献精神。 她的表演巅峰发生在1980年，而当时她与德国艺术家乌莱（Ulay）结伴创作了一份名为《潜能》（Rest Energy）的作品。她表示这四分钟长的表演作品是她有史以来最艰苦的工作。 视频：《潜能》摘要 Marina Abramović & the arrow that could have easily taken her life (Rest Energy, 1980)Watch this video on YouTube 1 min 31 sec 玛莉娜·阿布拉莫维奇和乌莱，以及箭头 《潜能》目前被收录在荷兰媒体艺术研究所的藏品中。的确，通过宝丽来（Polaroid）来观赏阿布拉莫维奇和乌莱的之间的默契引起了许多的感动。只见两人面对面，而乌莱的手里则紧拉着一支弓箭，并瞄准了她，且该箭距离她的心脏只有几英寸。 该作品反映了人性的脆弱情感，和玛莉娜手里拉着一个紧绷的弓时所展露的自信。乌莱抓住箭头和弓弦，两方的后跟都略微向后倾斜，同时保持眼神对视。他俩身体向后倾斜；而之所以引起这种站姿正是因为弓箭上的张力。引人注目的是那炽热的红色箭头和众人对玛丽娜的关注，尽管她的姿势暗示了从属关系。 《潜能》的含义 这或许被看似折磨人的考验，但实际上那是人们在每一段热恋里和植根于极端主义之下所产生的相互信任和脆弱的一面。令这一作品生动且引起情感共鸣的是，两位艺术家在拍摄此作品时都坠入了爱河，并有着一段恋爱的关系。 确实，整个视频让观众感到更加紧张，因为他们将麦克风挂在心上，因此随着表演的演进，心跳的节奏和动感都有所提高。同样的，这件作品起源的一个有趣促成因素是两位艺术家都出生于11月30日。因此都是射手座，即弓箭的寓意。这构成了选择弓箭以作为彼此相互接近和链接的首选武器。 视频：玛莉娜·阿布拉莫维奇和乌莱之间的关系 The incredible break-up story of Marina Abramović & Ulay on China’s Great WallWatch this video on YouTube 3 min 52 sec

根据史料记载，班克斯(Banksy)1974年出生于英国布里斯托尔。他是世界上最神秘的艺术家之一。他的大多数粉丝都不知道他长什么样。多年来，Banksy以其幽默而发人深省的涂鸦作品赢得了许多人的热爱，这些作品往往一夜之间便出现在了公共场所。 Banksy的艺术作品在伦敦街头和世界上很多其他的公共场所很受欢迎。他的一些作品在拍卖会上卖得了数百万美元。撇开价格不说，他在全球的追随者最喜欢的是他的作品呈现的激进的反战风格。尽管是一个非常著名的艺术家，但班克西的身份仍然不得而知。没有多少人知道他长什么样，但人们可以从他的作品中判断他是一个什么样的人。 早期职业生涯和发展 他的职业生涯始于涂鸦艺术家，在这个名叫DryBreadZ Crew的小组下工作。在这段时间里，他徒手创作作品，后来开始使用版面模子，人们也开始认识到他的作品。 Banksy在21世纪初很难获得他应得的关注，当时只是当地的新闻报道。然而，他后来在巴以边境的西岸隔离墙上的作品受到了全世界媒体的广泛关注。 《女孩和气球》 他最著名的艺术品之一是《女孩和气球》或称《气球女孩》。在深入了解这个作品的意蕴之前，人们很容易感受到Banksy在涂鸦绘画方面是多么有才华。《女孩和气球》逐渐成为Banksy最具标志性的作品之一，后来他再次再现了它，但背景却不同。 2017年7月，一项民意调查要求2000名参与者对英国最优秀的20件艺术品进行排名。《女孩和气球》成为最受欢迎的艺术作品。 最初模板，2002年 这幅作品的模版首次出现在伦敦的南岸桥上。在那之后，模板就被按照市议会的指示进行了粉刷掩盖。 印刷，2004年 《女孩和气球》是2004/2005年发行的限量版小印刷品，只发行了150张签名版和600张未签名版。在他全部的艺术作品中，这是迄今为止他最受追捧的作品。 这幅作品展示了一个年轻女孩站在那里，裙子和头发在风中飘扬，正释放或伸手去拿一个红色的心形气球。玩具可能是从她手中滑落，飞到她够不着的地方，或者从上面掉到她身上。女孩穿着黑色衣服，作品中其余唯一的颜色只有红色。《女孩和气球》还附有一段文字：“总有希望。” 在这个背景下，观众可以很容易地将红气球和它的象征联系起来，它并不是孩子的玩具。尽管对许多人来说并不那么明显，这个小女孩并没有试图伸手去拿气球。如果不是漆成红色的话，那就只是个玩具了。这里的红气球与梦想、天真、希望、理想和爱的脆弱联系在了一起。 Old Street 版本 ，2004年 Shoreditch 版本， 2004年 班克西后来在Liverpool街车站附近的Shoreditch画了另一个版本。然而，这幅涂鸦被涂在未经授权的墙上，所以当业主们想把它剥下来拍卖时引起了公众的愤怒。十年后，Sincura集团移除了涂鸦。此前，他们已经在伦敦北部拆除了班克西的另一幅涂鸦《奴隶劳动》。这副涂鸦在“Stealing Banksy？”上展览并且卖出。 《飞行气球女孩》，2005年 班克西2005年在约旦河西岸屏障上还重新设计了另一个的模板，名为《气球辩论》，女孩举着一堆气球悬浮在墙上。 以色列政府正在被占领巴勒斯坦领土周围修建隔离墙。它的高度是柏林墙的三倍，最终延伸将超过700公里，相当于从伦敦到苏黎世的距离。根据国际法，隔离墙是非法的，基本上将巴勒斯坦变成世界上最大的开放式监狱。 – Banksy 《女孩和气球》，2009年 这个版本的作品出现在宜家一款画框硬纸板上。这幅作品如此受欢迎以至于在2012年的Bonhams拍卖会上拍出了73250美元的高价。 班克斯《女孩和气球》的反面，绘于宜家画框上，装置图，Bonhams拍卖行，伦敦，2012年 《女孩和气球》，2014年，Syria（叙利亚）版本 2014年，为了纪念叙利亚内战，艺术家再次复制了《女孩和气球》。为了在社交媒体上推广“带叙利亚”的标签，并为叙利亚三年的战争争取支持和提高认知，艺术家对这幅艺术作品的形象进行了修改。 这幅作品经过重新设计，展示了一个戴头巾的女孩，描绘了该国的难民状况。这场运动是针对“多年来的残暴和流血，使叙利亚成为一个巨大的人道主义危机的震中。”这幅作品出现在纳尔逊的专栏和埃菲尔铁塔。 2014年作品发布后不久，人们根据Banksy的作品制作了一段动画视频。影片有Idris Elba的画外音和肘部的配乐。 #WithSyriaWatch this video on YouTube 1分 45秒 后来，流行歌星Justin Bieber在自己的Instagram账号上传了一张纹了一个原作纹身的照片，然后很快将其删除。但很多人已经看到了，包括Banksy，Banksy在自己的Facebook上发布了这张照片，标题是“有争议的” 《女孩和气球》，2017年 随着英国离2017年大选越来越近，Banksy重现了一个不同版本的《女孩和气球》，气球采用了联合杰克设计。Banksy提出向某些选区的任何登记选民免费发送一份模板印刷品，前提是他们能用照片证明自己投了反对保守党的票。但这一提议在某些方面引起了不安，因为它似乎是一种贿赂，以影响选举。后来，因为选举委员会警告了他的影响，其中包括选举结果在这些选区被宣布无效，于是Banksy取消了提议。 《女孩和气球》，2006年，拍卖时被切碎 Banksy一直是个神秘的男人（或女人）。2018年10月5日，苏富比拍卖行（Sotheby’s）拍卖了一幅2006年的《女孩和气球》（Girl with

《这不是一支烟斗》是比利时著名艺术家雷內·馬格利特的一幅画。这幅作品展示了一支烟斗，但在作品的下方，艺术家引用了一句法语”Ceci n’est pas pas une pipe”，翻译成英文的意思是”这不是一支烟斗”。这幅作品创作于1929年，但它至今仍然困扰着许多观众。 当你看那幅简单的画时，你会看到一支烟斗。即使你盯着它看几个小时，它仍然是一支烟斗。但是，当你看到下面的字说它不是烟斗时，你可能会开始怀疑你理解艺术的能力。在你疯狂地试图弄清楚它是什么之前，我想告诉你，请放心，从最广义上讲，它是一支烟斗。但从技术上讲，他不是一只烟斗，他是一个画着烟斗的作品。 招待会 这幅画引起了观众的一些反响，因为它表示了虚无主义的观念。在一次采访中，雷恩为自己辩护说： 著名的烟斗。人们怎么能为此责备我呢！你能为这烟斗填上烟丝吗？并不能，这只是一个代表不是吗？如果我把文字换成“这是一只烟斗”的话，就一定是在撒谎。 烟斗下方的法文 画下方的文字传达了一个简单的概念，任何观众都可以快速理解。它不是一支烟斗，而是一支烟斗画。”如果它不是烟斗，它是什么？”这问题比一个需要答案的问题更深刻。看似简单的语言失态，实际上是语言构造方式的有意设计。 超现实主义 “这不是一支烟斗”是一个超现实主义的作品，是一种艺术家理解情感和想法的艺术方式，不会因为想将图像和你头脑中已经知道的东西联系起来而使图像变得复杂。超现实主义意味着在艺术上保持诚实。马格里特使用超现实主义的概念，通过相似性打破你的认知。 超现实主义始于1924年，由法国诗人安德烈·布雷顿创立。它最初是一个实验性的艺术概念，旨在消除富裕社会传统的、压迫的理性主义。超现实主义旨在鼓励观众的想象力，并在没有任何意识和理性控制的情况下创造观念。 过去，大多数超现实主义者都尝试用新的方法来表达自己，但马格里特保留了他作为商业艺术家时发展起来的直率的表达风格。马格里特和其他几位超现实主义者旨在彻底改变社会过去看待、思考和体验事物的方式。马格里特认为自己是”画家中有思想的人”。 分析与意义 “这不是一支烟斗”可以根据观众的感知以多种方式进行解释。例如，它不是一支烟斗，而是帆布上的油画，可以装满烟草和烟熏。这幅画鼓励观众利用他/她的自由思维去探索人类已经建立起来的、广为人知的思维链中的逻辑捷径，并鼓励观众探索其他思维。 “这不是一支烟斗” 鼓励社会从字面上理解事物。与当代概念艺术家相比，在马格里特的作品中，他以幽默的方式破坏了社会对现实本质的哲学假设。 就像艺术家的许多其他作品一样，”这不是一支烟斗”并不是乞求观众问”这是什么？”的问题，相反的，艺术家们发现自己在问。这幅画显示了马格里特对混杂的图像和文字的迷恋，这可以归因于他曾经是一个商业艺术家。 对观众来说，马格里特的绘画如此令人不快和困扰是因为人类并不真正”知道”的东西，只能通过语言来了解他们的图像。我们认为，我们所看到的和我们所说的话之间是相互对应的，但这在现实主义中是不成立的。 “这不是一支烟斗”的目的是让观众质疑他们的现实。这让他们质疑事实，以及他们认为他们知道的一切。当你以开放的心态看待这幅画时，你觉得你知道的一切都变成了一个不熟悉的陌生人。你不会再看到同样的事情了。 法国哲学家米歇尔·福柯关于这幅作品 要理解”这不是一支烟斗”，他/她需要先理解自己。他们需要明白，语言和现实没有任何有机的关系，当你看到事物的名称时，它们不会出现。这一论点得到了法国哲学家和社会理论家米歇尔·福柯的支持。 在他的整个职业生涯中，米歇尔·福柯探索了当代艺术表现体系。他用雷內·馬格利特的《这不是一支烟斗》来说明他的观点。福柯同意马格里特的观点，即标志具有任意性、间接性和常规性。 根据福柯的说法，”这不是一支烟斗”并不”奇怪”，因为画上的形象（烟斗）和文字之间的矛盾反驳了图像（”这不是一支烟斗”）。他坚持认为，矛盾只能存在于两个文本或语句之间，而在”这不是一只烟斗”中，只有一个文本和一个图像。 关于艺术家 雷內·馬格利特以创作幽默的图像而著称，这些图象引发观众认真思考。他经常使用熟悉的图像或事物，但用不同寻常的环境去表现它们，从而挑战观众对现实先入为主的敏锐性。他对艺术的看法影响了许多人，吸引了来自流行艺术、概念艺术和极简主义的大量追随者。尽管雷内·马格里特在1967年去世，但他的画作至今仍在激励着观众，可能还会激励不可预见的未来。 雷内·马格里特经常诱使观众质疑他的作品，与其他概念艺术家如小野洋子、艾未未或珍妮·霍尔泽相比，他不那么具有挑衅性。马格里特经常利用重复性，批评家对此不屑一顾，他利用这一点出了几本他最著名的作品。 马格里特不是一个艺术家 这幅画也许描绘了马格里特的性格和行为。如果你想到“这不是一只烟斗”以及画家不认为自己是艺术家这一事实，你会发现“这不是一直烟斗”和“这不是一个艺术家”之间有某种关联。 马格里特也从不认为自己是一个画家，而是一个哲学家，理论家，或思想家，他利用日常和常规的事物，以视觉形式传达他的哲学思想和想法。 与其他“艺术家”不同，马格里特的主要目的是向社会表达一个简单的想法，这在他的其他作品中很容易看到。马格里特用自己的技巧鼓励社会使用不同的图形、文字、重复、错误命名的图像、镜像和部分隐藏来创造一种神秘的幻觉。 传记 雷内·弗朗索瓦·吉斯来恩·马格利特是比利时人，出生于1898年，是超现实主义艺术的先驱之一。他是他三个兄弟中的老大，他的父亲是个商人。由于他父亲的工作性质，他们经常在全国各地搬家。马格里特的母亲在他很小的时候就自杀了，这对他影响很大，他沉浸在文学和艺术中以缓和这种情绪。就在这段时间里，马格里特成为了一个绘画爱好者。 1916年，他离开家，去了首都布鲁塞尔，在艺术学院呆了一段时间。在这期间，他和维克托·瑟夫兰克斯成为了朋友，他对马格里特的艺术思想产生了重大影响。马格里特也受到了费迪南德·莱格和让·梅津格的作品的影响，这些作品将他引入了立体主义。 根据比利时法律的规定，马格里特需要服兵役，之后不久，他与儿时的朋友乔治特·伯格结婚。马格里特做过几份工作，比如墙纸厂的绘图员和自由海报设计师。1926年，马格里特与布鲁塞尔的半人马画廊签订了一份短期合同，成为一名优秀艺术家。在画廊期间，马格里特偶然发现了乔治·德·基里科的作品，这使他成为超现实主义者。 他们搬到法国巴黎，在那里呆了三年。在此期间，马格里特遇到了安德烈·布雷顿的超现实主义者，如艺术家萨尔瓦多·达利和马克斯·恩斯特。与同时代人一样，马格里特也曾尝试过歇斯底里症和疯狂等“黑暗”的主题，但后来转向在作品中使用文字和语言。 1930年，马格里特搬回布鲁塞尔，开始从事商业广告工作。他的批评者声称，他可能利用伪造其他作品来获得收入，没有足够的时间发展自己的艺术技能。 到了20世纪30年代末，马格里特的作品开始引起国际艺术收藏家的兴趣，很快他的作品就闻名于世。这使他考虑放弃他的商业工作。正当马格里特的作品开始表现出成功的迹象时，他又遇到了另一个障碍：二战。尽管如此，他还是延续了类似的艺术风格。他还尝试了一个丰富多彩的印象派调色板，以对抗战争的单调。 马格里特很快就尝试了一种他称之为“牛”或“奶牛”的不协调的风格，这种风格以粗俗的物体为特征。不出所料，牛很不受评论家的欢迎，所以他又回到了自己原来的鲜明风格。马格里特的作品展示了视觉是如何依赖于语言的。“这不是一支烟斗”，正如下面的“烟斗”一词也不是烟斗一样。奇怪的是，对于这幅画到底是什么有无数的翻译和想法，这些想法供任何人看。 这位艺术家的视觉语言大多建立在极度简单的基础上，这使得他的画比其他艺术家的画更令人难忘。雷内·马格里特作品的认可价值使其成为当今流行文化中受人喜爱的元素。 结论 今天，马格里特的作品在巴黎展出。此次展出旨在探讨马格里特对哲学的浓厚兴趣，以及他是如何将自己的哲学思想转化为艺术的。在接受路透社采访时，蓬皮杜所有者迪迪埃·奥廷格说： “显然，哲学传统总是拒绝或蔑视图像，因为图像属于感官世界，而文字属于知识世界。马格里特想与哲学家们进行理论斗争，证明图像可以像语言一样表达思想。“ 简言之，马格里特并不完全对他创作的画感兴趣，而是对艺术如何改变我们的世界观感兴趣。“这不是一支烟斗”告诉我们，我们想要的东西并不像我们看到的那么不起眼，而是它的意义隐藏在我们面前的东西的后面。但要消除这种障碍绝非易事，因为我们的眼睛与物体没有任何关系，相反，它是我们头脑中的思想和语言。 仅仅看一眼这幅画就能给你的生活带来一个全新的角度。这是因为你不再相信自己的眼睛。你的眼睛看到的图像只是一幅普通的画，并不有趣，但你的思想可以掌握作品和发人深省的问题背后的奥秘。

《电子高速公路》是韩国艺术家白南准最著名的作品之一。它表明他如何通过媒体技术解读一个多元化的国家。电子高速公路是一个大型设施，由336台电视机、50台可视播放器、3750英尺的电缆和575英尺的彩色霓虹管组成。 对游客的影响 当游客第一次看到电子高速公路时，便对他们产生了巨大的影响。音像媒体的浪潮，加上闪烁的霓虹灯，令人肃然起敬。将注意力集中在霓虹灯边界的任何州或为每个州播放的视频对话上则变得很有挑战性。 Nam June Paik - Electronic SuperhighwayWatch this video on YouTube 1分 4秒 白南准对美国各州的看法 通过这座巨大的科技雕塑，白南准不仅表达了他对美国这样一个多元文化国家的看法，还表达了他对我们未来的看法。每一个州都通过一个视频剪辑来表达他对各州的理解。白南准展示了电影和电视是如何形成我们对不同州的概念的。虽然一些州以流行的电视剧或书籍为代表，但他利用个人关系来描绘一些州。堪萨斯州以绿野仙踪为代表，俄克拉何马州以土豆为主题，而作曲家約翰·凱吉则代表了马萨诸塞州，阿肯色州播放了表演艺术家夏洛特·莫尔曼的影片，华盛顿州则播放了舞蹈指导默塞·坎宁安的舞蹈。 密苏里州播放电影“在圣路易斯见我”的肯塔基打吡的肯塔基州场景和印第安納波利斯500的印第安纳州场景。在爱荷华州，观察者可以看到在爱荷华州预选会议期间竞选的政治家，而伊利诺斯州则展示了芝加哥的快速场景，偶尔还会有亚伯拉罕·林肯的照片。科罗拉多州播放业余体育节目，密西西比州的美国黑人民权运动场景，而罗德岛州只有一台小小的电视。最后，来自南太平洋的场景展示其在夏威夷，阿拉斯加以冰雪为代表，南达科他州展示的是乔治·麦戈文，而不是拉什莫尔山，这可能更容易辨认。 这些以及更多的场景都是由白南准（Nam June Paik）挑选的，并通过他自己的镜头向我们展示。 白南准对未来的愿景 白南准将这个视频装置命名为电子高速公路，以表达他对未来的愿景。他设想，在未来，由于先进的技术，交流将是无边界的。值得一提的是，白南准的设想现在已经通过互联网得到了体现。事实上，这个词现在被普遍使用。 受美国公路系统启发 在另一个层面上，连接全国的美国的高速公路系统激发了白南准创建电子高速公路的灵感。视频剪辑速度非常快，以模仿人们如何通过行驶的汽车看到这个国家。 结论 电子高速公路由于其庞大的规模和各种不同的解释，继续让人们惊叹不已。它让我们注意到我们的世界是如何被技术定义的，他也让我们注意到了它带来的问题，比如我们的观念定型或信息过量。简而言之，通过这个视频艺术，白南准成功地代表了我们的时代。 位置 Smithsonian American Art Museum史密森尼美国艺术博物馆 F St NW &, 8th St NW, Washington, DC 20004, USA 美国华盛顿特区西北大街8号，邮编：20004 +1 202-633-1000 视频：白南准的艺术与革命 Arirang Special(Ep.312) Nam June Paik's Art and Revolution

埃尔文·乌尔姆1954年出生于奥地利施蒂利亚州的布鲁克·德尔穆尔市。他以幽默的风格以及对日常生活的独特描绘而闻名。 自20世纪90年代末成为奥地利艺术家以来，埃尔文·乌尔姆（Erwin Wurm）一直致力于他的“一分钟雕塑”系列，即他或其他人经常在艺术空间内与日常物品摆造型。 学习经历 乌尔姆曾于1982年在美术学院和维也纳应用艺术学院学习。在此之前，他于1977年至1979年首次参加萨尔茨堡的莫扎特音乐学院。 大学毕业后，乌尔姆开始尝试不同的想法，用木头和金属油桶焊接成雕像。然后，他以抽象和非正式的风格绘制雕塑。他会使用常见的现成材料，如废金属、木材、木板或桶。使用这些材料意味着艺术家的工作不会那么麻烦。 早期雕塑与技术 20世纪80年代，乌尔姆创作的雕像描绘了各种艺术历史风格。这些人物会被扭曲、扭转和制作以暗示一种运动，或者融入未来主义及其所描绘的速度和动态。 乌尔姆会用他遇到的日常物品；螺丝钉，钉子，椅子，手提箱，应有尽有。他把它们变成令人兴奋的、通常会让观众怀疑真正意义的雕塑。乌尔姆目前在林贝格，维也纳和奥地利生活和工作。 一分钟雕塑 一分钟雕塑即模特们以奇怪和反常的方式与日常物品摆造型。这些雕塑是自发创作的，没有经过太多的思考。产生的图像是暴力或色情的，或以任何令人不快的方式产生的，并且通常超出了所述对象的实际使用范例。 一分钟的雕塑不使用任何传统的雕塑材料。它也不使用三维技术来创建可以展示的项目。这座雕塑被另一座“雕塑”所取代，这座“雕塑”能够完成第一座雕塑无法完成的任务——成功地从雕塑中分离出来。 灵感 一分钟雕塑的想法并不是立即产生的。在乌尔姆创作真正的雕塑时，有些事在缓慢的发展。在他的早期作品之一《第二步》（1984年）中，这个人物似乎即将离开自己的状态，走出“雕塑”——表明了解体的因素。 乌尔姆在几十年前开始开发一分钟雕塑系列，寻求以最简单的方法创建精确和快速的雕塑。对他来说，雕塑的定义很松散，这就是为什么他把他的每一件作品都称为雕塑，无论是照片、书籍、绘画还是视频。 在他的书《吞噬世界的艺术家》（哈杰·坎茨）中，乌尔姆说： 我对每天的生活感兴趣。所有围绕着我的材料，以及当代社会所涉及的对象和主题都是有用的。我的作品讲述了一个人的整体：身体、精神、心理和政治。 他是如何开始的 随着时间的推移，乌尔姆从使用3D对象转向使用照片和视频。他的第一件以视频为媒介的雕塑作品是“静止的我”（1990），这是一分钟雕塑作品的一部分。在视频中，可以看到一名男子一动不动地站着，头上顶着一个倒置的碗，用眼睛挡住观众的不自主动作。 当短片放在一个60分钟的循环中时，会产生一种静止的错觉。因此，通过延长时间，人们实际上可以将动作转化为雕塑，尽管是一个活生生的雕塑。 幽默 在一次采访中，他透露了幽默的使用，他说： 如果你以幽默感处理事情，人们立马觉得你不会被认真对待。但我认为，关于社会和人类存在的真理可以用不同的方式来理解。你不必总是非常严肃。讽刺和幽默可以帮助你更轻松的看待事物。 由于这些图像是一时兴起的，艺术家不会用传统的方式创造它们，而是会在电影中捕捉它们。虽然这些图像很幽默，但它们仍然无法逃避这样一个事实：它们以令人不安的方式放大了现实。 《一分钟雕塑》邀请观众更近距离地观看艺术作品，并推断作品想表达的潜在意义，之后“用幽默诱惑他们，让他们更接近雕塑” 然而，雕塑中的诙谐不应凌驾于作品所表达的潜在意义的重要性之上。乌尔姆认为，这些快速雕塑反映了我们与艺术世界的互动方式，也反映了我们在周围环境中的互动方式。 “红辣椒”的无法停止视频 乌尔姆的作品在世界范围内取得了成功，以至于他在艺术以外的其他领域也被人提及。他因启发了红辣椒的“无法停止”视频中的概念和图像而受到赞誉，该视频在 YouTube 上获得了 120.000.000 次观看。 Watch this video on YouTube 4分3 8秒 指导与参与 一分钟雕塑的作品旨在复制和模仿。艺术家鼓励人们反复表演。观众可以参与一分钟的雕塑，但他们需要放弃部分习惯。 如果您想以雕塑的形式参与其中，乌尔姆会以卡通的方式手写说明供你遵循。每项作品的图纸由埃尔文·乌尔姆创作的。有一段文字给出了具体说明，即指导表演者如何准确摆出一分钟的姿势。 在阅读并理解了雕塑的说明之后，您将获得一件日常用品，或者您可以使用任何您携带的东西。您需要通过将您的身体与该物体建立一种奇怪而可笑的关系来与该物体摆姿势。 如果您对物体摆出不自然的姿势，则需要保持姿势以捕捉电影或摄影中的动作所需的时间，通常不超过一分钟。正如您所料，这个姿势很难保持一分钟。 收藏埃尔文·乌尔姆作品的博物馆之一是位于美国加利福尼亚州的MAK艺术与建筑中心的辛德勒宅邸。在博物馆内，观众被邀请使用水桶、毛绒玩具、运动鞋和木棍等日常用品进行表演。 对现实事件的微妙暗示 在另一部名为《几何顺序中的道德规范》的作品中，对象是一把阿尔托·帕米奥休闲椅，其下背部有一个头部孔。参加该系列活动的人跪着，身体位于座椅上方，背部朝上。这样，头部就会穿过孔。此艺术引发了诸如断头台、蔑视、嘲笑和其他日常使用但会使人体处于脆弱状态或位置的物品的讨论。 一分钟雕塑作品可以和世界各地的许多情况相关联。上述例子可能与美国当前的政治局势有关，在这种情况下，可以将其解释为屈服和遵守的危险。 雕塑在不同时期也能唤起不同的感受。例如，在前一段时间，直接关联的可能是美国士兵在阿布格莱布监狱侵犯人权的病毒式照片。 另一方面，这座雕塑也可能与法国反君主制看法或英国公众身体羞辱的危险有关。无论“一分钟雕塑”中的雕塑唤起了什么，它几乎总是有一些道德成分。 视频：采访埃尔文·乌尔姆 Artist: Erwin Wurm_The Philosophy