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非凡的森山邸-由SANAA建筑公司的西澤立衛建筑而成

森山邸(2005)是一个完美的例子,它代表了一个社区,同时连接了内部和外部。这座建筑位于东京的卡马塔,是普利茨克奖获得者SANAA建筑公司的创意西澤立衛。 多层住宅由10栋独立的建筑组成,楼有1到3层高不等,而每个房间都是一栋独立的建筑。连浴室都是独立的。森山邸是充满砂砾,一点也没有魅力。租客居住在如此狭小的空间里很容易引起人们的好奇心。 薄墙&选择不同的房间 所有的钢墙都尽可能薄。这是为了最大限度地扩大内部空间。当客户要租房子时,他们有机会选择哪栋楼最适合作为住宅或出租房。客户可以在客厅和餐厅之间切换。客户还可以在多个客厅和餐厅之间切换,或者同时使用多个房间。这完全取决于需求和可用性。 私人与公共 很容易注意到建筑物之间的小花园和小路。这些小径通向街道,同时连接着不同的建筑。这里的整个想法是模糊人们所认为的私人和公共财产的界限。 单位和空间 你会很快注意到两个透明和两个不透明的墙壁,房子里还有浴缸和水槽。大楼里有三个生活空间,互相叠在一起。这里的单位范围从细长的三层塔楼到一个整体的规模。最小的建筑物/房间是洗手间。 盒子之间的空间很重要。他们经常像箱子一样被占着。不过,这里有一些真正的空间感和舒适感。有几个活动填补了绿色植物以外空间。屋顶也非常繁忙。屋顶中间有一张桌子和一把椅子。透过窗户瞥见一架梯子,它可以通向最高建筑物的屋顶。 和藤本壮介建筑公司设计的N House的不同 虽然森山邸面临着来自藤本壮介建筑公司设计的N House竞争,但森山邸是最抽象最大胆的。森山和藤本的房子都融入了他们周围的环境。西泽卫立通过透明度和材料的选择使这座建筑与众不同。建筑师将这座建筑分解成多个部分,融入了周围的城市。这使得森山邸谨慎地从卡马塔的街道拍摄。从房子旁边跑过去而不被注意是很容易的。 位置 如果你退一步,卡马塔区是充满活力的。这的建筑物是相当密集的,虽然该地区已经落后为更郊区的地方了。许多人以前通过大卫·和平的精彩小说《东京零年》听说过卡马塔。 3-chōme-21 Nishikamata, Ota City, Tōkyō-to 144-0051, Japan 〒144-0051 東京都大田区西蒲田3丁目21 从莲沼站步行5分钟(2号出口) 从卡马塔站步行15分钟(西出口) 挑战 你可能会发现你不应该在这个私人区域拍照的告示。你可能会发现其他告示要求你不要进去。透明度的原则很难管理。这所房子已经很有名了,每天都有许多游客蜂拥而至。如果没有外国游客,可能没人会费心贴告示。日本文化对公私有很明显的区分。 分析 森山邸非同寻常,但非常简陋。它与周围杂乱无章的街道形成鲜明对比,秩序井然且复杂,很符合日本的方式。它的美一开始并不容易被发现,因为它很容易融入其中。它只是一个由10个离散单元组成的集群。尽管如此,它的白色立方体将它轻轻地和周围的街道上区分开,使它成为一个标志性的、令人叹为观止的景观。 从外观上看,这座房子虽小但很精致。穿插其间的花园和街道没有明显的的边界。晚上,光线从大玻璃板窗户和墙壁上反射出来。树木和灌木丛使盒子的边缘变得模糊。这些效果使整个建筑看起来非常吸引人。 结论 森山邸是一座极具影响力的建筑。它集中体现了最令人兴奋的城市建筑、城市主义,或住房的形式。这座建筑的建筑师西泽卫立说,这座建筑是公共的和私人的,个人的和集体的,个人的和共享的。所有这些都是更复杂范围的一部分。 图像 照片:室内 照片:外观 平面图 架构模型   所有图片:除非另有说明,否则 Iwan Baan 为 Ryue Nishizawa。

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巴勃罗·毕加索的老吉他手-你需要知道的一切

巴勃罗·毕加索是20世纪上半叶最重要、最有说服力的艺术家之一。他主要与一个开拓立体主义运动有关,同时也对超现实主义、象征主义和一系列在20世纪20年代持续存在的其他古典风格做出了重大贡献。 与同时代的许多画家不同,毕加索对风格持兼收并蓄的态度。然而,他的作品通常以一种单一而显著的方式为代表,使他能够很容易地交换的另一种,有时甚至在同一件作品中交换风格。或许正是这种转换风格的能力,让他在这个行业保持了长久的生命力。尽管艺术家在毕加索的一生中来来往往,但直到1973年他生命的尽头,他仍然活跃在艺术界。 根据一些记录,估计毕加索总共创作了5万多件艺术品,令人难以置信。他的作品影响了许多风格和运动,即德国表现主义、建构主义、漩涡主义、未来主义等等。 蓝色时期 是什么导致了毕加索的蓝色时期 尽管毕加索被认为是有史以来最伟大的艺术家之一,但他并不总是像他的作品所描绘的那样成功或自信。事实上,当他刚开始成为一名艺术家时,他面临着许多悲剧、情感脆弱和贫困,这些显然影响了他的作品。像许多艺术家一样,毕加索将自己的许多情感注入了被认为是他第一部开创性作品的创作中,被称为“蓝色时期”。 卡萨吉马斯之死对毕加索的影响 毕加索的蓝色时期始于1901年,当时毕加索只有19岁。当时,毕加索与一群激进作家、无政府主义者和艺术家有着密切的联系。他们当中有一位毕加索亲密的朋友,是西班牙诗人,名叫卡莱斯·卡萨格马斯。尽管卡莱斯·卡萨格马斯才华横溢,但由于情人发生意外,他在当年的一次晚宴上开枪自杀。 卡萨格马斯的突然去世促使毕加索开始用蓝色绘画。同胞的去世深深地影响了他,也正是这种影响催化了他的绘画作品。毕加索在蓝色时期创作的所有绘画都以冷色为特征,比如令人恶心的绿色、深灰色,当然还有忧郁的蓝色。 毕加索在蓝色时期的第一幅画是在他朋友死后不久创作的,取名为《卡萨吉马斯之死》(1901)。在画中,卡萨吉马斯似乎裹在白床单里,仿佛睡着了。不过,毕加索也在主体的太阳穴上加了一个弹孔,以表现夺去他生命的悲剧。 蓝色时期自画像 在创作蓝色时期的第一幅画时,毕加索作为艺术家还没有发言权,也没有卖出足够的画来养活自己,这进一步恶化了他的心理状态。毕加索在创作自己的自画像时,一直使用蓝色。在这幅画中,他把自己描绘成一个50岁的体弱多病的人,而不是一个20岁的、职业生涯中充满了无限的可能的画家。 他为什么选择蓝色? 毕加索选择用蓝色来传达他当时所感受到的痛苦和凄凉。在蓝色时期,毕加索继续把被遗弃者作为他的绘画主题。除了像他这样失败的人或失败的艺术家,他还以被认为是流放和隐士的主题,如醉汉、无家可归者、妓女,当然还有那些努力跟上日常生活压力的个人。 通过在背景中使用蓝色,毕加索能够传达出作品中脆弱的元素。蓝色还强调了各种方面的麻烦,如在一张画布里表现创造性的痛苦,损失,贫困,悲伤和沮丧。有趣的是,毕加索在这个蓝色时期的大部分作品都是在早期作品的基础上完成的。其中一件在蓝色时期创作的作品是老吉他手。 玫瑰时期&向立体主义的过渡 1904年后,毕加索的风格和调色板开始改变,变得明亮。在将近一年的时间里,他开始了一种被称为“玫瑰时期”的绘画风格,这种风格比“蓝色时期”快乐得多。与蓝色不同的是,玫瑰时期的特点是使用红色和粉色,这两种色调更令人振奋。 在关注红色时期一年左右之后,他的风格发生了变化,颜色也变暗了,表现出更加坚实和厚重的外形。正是在这一时期,毕加索与乔治·布拉克相遇并成为亲密的盟友。两者共同创造了一个新的运动,被称为立体主义。 老吉他手,1903年 引言 老吉他手这幅作品是1903年在西班牙巴塞罗那创作的,当时正值毕加索的蓝色时期。这位老吉他手是画布上的一幅油画。和当时的许多绘画一样,它的特点是单色的蓝色调色板和一个整体贫瘠的色调,但是毕加索用一个更温暖的棕色色调渲染了吉他。 这幅画显示了什么 老吉他手,有时也被称为盲人吉他手,以一位皮肤和骨骼清晰可见的老人为特色。尽管明显虚弱无力,但老人似乎紧紧抓住了吉他,仿佛他在为自己严肃的处境寻求救赎。他那苍白的蓝色皮肤,虚弱饥饿的身体,以及破旧的衣服,都描绘了老人可怜的样子。他的失明和周围的气氛进一步突出了他的悲伤状态,吉他手的悲伤也反映了这一点。他的环境也被描绘成代表当时下层阶级的生活。 中等及其他特性 毕加索用油画的工艺完成了这幅杰作。通过现代红外技术检查这幅画,除了老盲人吉他手,画中还有三个人物。这三个人分别是一位老妇人、一位年轻女子和一只动物。如果你仔细观察这幅画,你可以用肉眼看到这三个人物。一些历史学家认为毕加索的本意是画上人物,而另一些人则认为毕加索穷得买不起画布。于是,他在家里的一张已经有这些人物的木桌上画画。 分析与意义 在这幅画里,盲人拿着的吉他是唯一有颜色变化的元素。所用的棕色象征性地代表了这个人可以用来救赎自己或使自己摆脱贫困状态的唯一工具。毕加索用棕色作为吉他,而不是无处不在的蓝色来代表老人生存的唯一希望。因此,毕加索把这个人画得像是倚着吉他,希望他创作的音乐至少能让他从可怕的处境中解脱出来。 巴勃罗·毕加索的老吉他手今天仍然具有普遍的吸引力,因为这些年来,与下层社会所面临的困境有关的情况没有太大改变。毕加索在老吉他手身上精心挑选了一些元素,以引起观众的反应。 设计使用悲伤、忧郁的状态的目的是让旁观者产生疑问,为什么工人阶级和上层阶级的人继续繁荣,而那些最需要帮助的人继续在贫困中煎熬。 有人认为毕加索的灵感来自英国画家乔治·弗雷德里克·华莱士的名画《希望》。 老人是艺术家的象征? 据一些人说,毕加索用这位老人作为他的作品的主题,来表现大多数艺术家经常被迫过的与世隔绝的生活。尽管音乐和艺术往往是将社会联系在一起的东西,但这些因素也成为艺术家与世界其他地方隔离的负担。然而,尽管与世隔绝,这位吉他手仍然依靠它生存。因此,这位老吉他手的作品不仅代表了毕加索对社会的批判,而且也是作为人类存在的隐喻而创作的。 由于这位老吉他手是在毕加索的蓝色时期创作的,这幅画代表了极大的悲伤和悲伤。毕加索用蓝色和深色突出了作品忧郁的色调。毕加索当时所经历的艰辛也反映在艺术品中。这幅作品描绘了一个驼背在吉他上的穷人,代表了毕加索当时的低生活水平。 老吉他手的价值和地位 一幅画在公共场合展出比在私人住所展出更值钱。这位老吉他手坐在芝加哥艺术学院,那里每天都有成千上万的人观看。该领域的一些专家认为,这幅画的价值超过了1亿美元,但由于这幅作品可能永远都卖不出去,它实际上可能被认为是“无价之宝” 视频:毕加索纪录片 2018 BBC TWO Documentary -- Picasso's Last Stand -- HD 720p.Watch this video on YouTube 59分 11秒 “老吉他手”下面的旧素描 如前所述,毕加索在蓝色时期的作品通常包括覆盖旧草图。就像他在蓝色时期创作的许多作品一样,这位老吉他手的作品下面也有一些用肉眼看不见但放在X光机下面却很明显的老草图。因为这件作品有很多层的颜料,这位老吉他手的感觉和外表显得波涛汹涌,这描绘了毕加索强烈的情感和画家不断变化的心境。

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草间弥生(Yayoi Kusama)最杰出的雕塑-《南瓜》和《花》

草间弥生(Yayoi Kusama)在2019年庆祝了自己的90岁生日,她是日本艺术领域的先驱艺术家和传奇人物。尽管她特意地制作出了可以禁得起室外磨损的独特作品,但是她是以在需要时以巨大规模再现自己的艺术而闻名。她的职业生涯跨越了60余年,在此期间,她的作品成功地进入纽约现代美术馆、洛杉矶艺术博物馆、泰特现代美术馆等博物馆的馆藏。 草间弥生(Yayoi Kusama)被广泛认为是波普艺术的先驱者,影响了像安迪·沃霍尔(Andy Warhol)等一大批的伟大艺术家。 草间弥生(Yayoi Kusama)的雕塑 草间弥生(Yayoi Kusama)于1994年创作了她的第一个雕塑,那是一个带有明显斑点图案的纯黄色南瓜。虽然这第一个作品和其他一些作品被放置在了日本,但有许多其他作品分散在世界各地。其中一些著名的作品有:位于日本长野松本市艺术博物馆,2002年的《梦幻之花》;位于法国里尔的Euralille,2003年的《香格里拉郁金香》(Tulipes de Shangri-La);位于日本新泻,2003年的《绽放的Tsumari》;位于洛杉矶比佛利山庄市议会,2007年的《生命的赞美诗:郁金香》。 草间弥生(Yayoi Kusama)创造了某种方式来讲述独特的故事。许多人一定已经注意到了南瓜雕塑,它们在她的作品中的出现方式对其作品产生了标志性的效果。然而,尽管许多植物般的雕塑是专为机构设计的,但那并不是她所做的全部。为了保护绘画作品并使其免受室外因素的影响,作品在铸造时使用了经玻璃纤维增强的耐用塑料。然后将其涂上氨基甲酸酯以达到完美的效果。 艺术品 直岛上的标志性黄色南瓜 位于日本香川县直岛岛上的用黑色点缀的黄色大南瓜,很快变成了当地的标志性物体。 它别具一格,与当地的自然环境形成强烈的对比。它的位置非常靠近水,因此水的反射效果使该雕塑更加标致。该位置靠近直岛港口码头,因此前往岛上的大多数游客都会参观该艺术品。 草间弥生(Yayoi Kusama)的南瓜成为了直岛社区关注艺术的原因之一,岛上遍布着许多有趣的艺术作品。可以肯定地说,随意放置的雕塑变成了鼓舞人心和独特的东西。草间弥生(Yayoi Kusama)独特的视野以及其雕塑作品已成为岛上真正的标志性代表,它将使该岛在未来数年内声名远扬。 Kabocha by Yayoi Kusama in Naoshima 4KWatch this video on YouTube 1分 波尔卡圆点雕塑和树木环绕 按照维基百科的说法,草间弥生(Yayoi Kusama)从小就有幻觉和严重的强迫性念头,而且这些念头通常是自杀性的。 某些艺术评论家认为,她在作品中使用圆点的行为可以减轻她的自杀念头。她的话语也进一步表明了这一点: 如果不是为了艺术,那我早就自杀了。 圆点也可以看作是她创作的能量源泉,她的发言也证实了这一点: 圆点具有太阳一样的样式,是整个世界以及我们生活的能量的象征,也具有平静的月亮一样的样式。 圆润,柔和,多彩,不知不觉中,圆点开始运动……圆点是通往无限的一种方式。 她开始用圆点涂鸦诸如帆布,地板,墙壁,家用物品和裸体助手之类的表面。 最终,它们成为了她作品的鲜明标志。 大多数无限网或波尔卡圆点直接来自她的幻象,这些幻象受到超现实主义的影响。超现实主义运动起源于1900年代中期的巴黎。 超现实主义与达达主义密切相关,达达主义是它的主要源头,它们都被认为具有革命性的思维和行动方式——一种生活方式,而不是一套文体形态。该运动的中心思想是释放潜意识的创造力。 – Chilvers, 2003 通过观察圆点图案,我们可以看到它的表面上只涂了两种均匀的颜色,没有高光或色调。 这种绘画风格起源于20世纪40年代末和20世纪50年代初的美国。它是由马克·罗斯科(Mark Rothko)和巴尼特·纽曼(Barnett Newman)等人开创,这两位艺术家的作品也是草间弥生(Yayoi Kusama)的作品的比较对象。 Yayoi Kusama's Installation:

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Marina-Abramovic-Ulay-Rest-Energy-feat

玛莉娜·阿布拉莫维奇(Marina Abramović)和那支险夺去她生命的箭

玛莉娜·阿布拉莫维奇可谓是有史以来最出色,且最大胆的表演艺术家之一。她以突破性的表演艺术能力而著称,并以自己的身躯以诠释出意义,耐力和抗衡身体威胁所留下的伤疤。因此,多年以来,她对表演艺术产生了重大的影响。她的作品证明了她对表演艺术的奉献精神。 她的表演巅峰发生在1980年,而当时她与德国艺术家乌莱(Ulay)结伴创作了一份名为《潜能》(Rest Energy)的作品。她表示这四分钟长的表演作品是她有史以来最艰苦的工作。 视频:《潜能》摘要 Marina Abramović & the arrow that could have easily taken her life (Rest Energy, 1980)Watch this video on YouTube 1 min 31 sec 玛莉娜·阿布拉莫维奇和乌莱,以及箭头 《潜能》目前被收录在荷兰媒体艺术研究所的藏品中。的确,通过宝丽来(Polaroid)来观赏阿布拉莫维奇和乌莱的之间的默契引起了许多的感动。只见两人面对面,而乌莱的手里则紧拉着一支弓箭,并瞄准了她,且该箭距离她的心脏只有几英寸。 该作品反映了人性的脆弱情感,和玛莉娜手里拉着一个紧绷的弓时所展露的自信。乌莱抓住箭头和弓弦,两方的后跟都略微向后倾斜,同时保持眼神对视。他俩身体向后倾斜;而之所以引起这种站姿正是因为弓箭上的张力。引人注目的是那炽热的红色箭头和众人对玛丽娜的关注,尽管她的姿势暗示了从属关系。 《潜能》的含义 这或许被看似折磨人的考验,但实际上那是人们在每一段热恋里和植根于极端主义之下所产生的相互信任和脆弱的一面。令这一作品生动且引起情感共鸣的是,两位艺术家在拍摄此作品时都坠入了爱河,并有着一段恋爱的关系。 确实,整个视频让观众感到更加紧张,因为他们将麦克风挂在心上,因此随着表演的演进,心跳的节奏和动感都有所提高。同样的,这件作品起源的一个有趣促成因素是两位艺术家都出生于11月30日。因此都是射手座,即弓箭的寓意。这构成了选择弓箭以作为彼此相互接近和链接的首选武器。 视频:玛莉娜·阿布拉莫维奇和乌莱之间的关系 The incredible break-up story of Marina Abramović & Ulay on China’s Great WallWatch this video on YouTube 3 min 52 sec

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《女孩和气球》——Banksy最鼓舞人心的画作?

根据史料记载,班克斯(Banksy)1974年出生于英国布里斯托尔。他是世界上最神秘的艺术家之一。他的大多数粉丝都不知道他长什么样。多年来,Banksy以其幽默而发人深省的涂鸦作品赢得了许多人的热爱,这些作品往往一夜之间便出现在了公共场所。 Banksy的艺术作品在伦敦街头和世界上很多其他的公共场所很受欢迎。他的一些作品在拍卖会上卖得了数百万美元。撇开价格不说,他在全球的追随者最喜欢的是他的作品呈现的激进的反战风格。尽管是一个非常著名的艺术家,但班克西的身份仍然不得而知。没有多少人知道他长什么样,但人们可以从他的作品中判断他是一个什么样的人。 早期职业生涯和发展 他的职业生涯始于涂鸦艺术家,在这个名叫DryBreadZ Crew的小组下工作。在这段时间里,他徒手创作作品,后来开始使用版面模子,人们也开始认识到他的作品。 Banksy在21世纪初很难获得他应得的关注,当时只是当地的新闻报道。然而,他后来在巴以边境的西岸隔离墙上的作品受到了全世界媒体的广泛关注。 《女孩和气球》 他最著名的艺术品之一是《女孩和气球》或称《气球女孩》。在深入了解这个作品的意蕴之前,人们很容易感受到Banksy在涂鸦绘画方面是多么有才华。《女孩和气球》逐渐成为Banksy最具标志性的作品之一,后来他再次再现了它,但背景却不同。 2017年7月,一项民意调查要求2000名参与者对英国最优秀的20件艺术品进行排名。《女孩和气球》成为最受欢迎的艺术作品。 最初模板,2002年 这幅作品的模版首次出现在伦敦的南岸桥上。在那之后,模板就被按照市议会的指示进行了粉刷掩盖。 印刷,2004年 《女孩和气球》是2004/2005年发行的限量版小印刷品,只发行了150张签名版和600张未签名版。在他全部的艺术作品中,这是迄今为止他最受追捧的作品。 这幅作品展示了一个年轻女孩站在那里,裙子和头发在风中飘扬,正释放或伸手去拿一个红色的心形气球。玩具可能是从她手中滑落,飞到她够不着的地方,或者从上面掉到她身上。女孩穿着黑色衣服,作品中其余唯一的颜色只有红色。《女孩和气球》还附有一段文字:“总有希望。” 在这个背景下,观众可以很容易地将红气球和它的象征联系起来,它并不是孩子的玩具。尽管对许多人来说并不那么明显,这个小女孩并没有试图伸手去拿气球。如果不是漆成红色的话,那就只是个玩具了。这里的红气球与梦想、天真、希望、理想和爱的脆弱联系在了一起。 Old Street 版本 ,2004年 Shoreditch 版本, 2004年 班克西后来在Liverpool街车站附近的Shoreditch画了另一个版本。然而,这幅涂鸦被涂在未经授权的墙上,所以当业主们想把它剥下来拍卖时引起了公众的愤怒。十年后,Sincura集团移除了涂鸦。此前,他们已经在伦敦北部拆除了班克西的另一幅涂鸦《奴隶劳动》。这副涂鸦在“Stealing Banksy?”上展览并且卖出。 《飞行气球女孩》,2005年 班克西2005年在约旦河西岸屏障上还重新设计了另一个的模板,名为《气球辩论》,女孩举着一堆气球悬浮在墙上。 以色列政府正在被占领巴勒斯坦领土周围修建隔离墙。它的高度是柏林墙的三倍,最终延伸将超过700公里,相当于从伦敦到苏黎世的距离。根据国际法,隔离墙是非法的,基本上将巴勒斯坦变成世界上最大的开放式监狱。 – Banksy 《女孩和气球》,2009年 这个版本的作品出现在宜家一款画框硬纸板上。这幅作品如此受欢迎以至于在2012年的Bonhams拍卖会上拍出了73250美元的高价。 班克斯《女孩和气球》的反面,绘于宜家画框上,装置图,Bonhams拍卖行,伦敦,2012年 《女孩和气球》,2014年,Syria(叙利亚)版本 2014年,为了纪念叙利亚内战,艺术家再次复制了《女孩和气球》。为了在社交媒体上推广“带叙利亚”的标签,并为叙利亚三年的战争争取支持和提高认知,艺术家对这幅艺术作品的形象进行了修改。 这幅作品经过重新设计,展示了一个戴头巾的女孩,描绘了该国的难民状况。这场运动是针对“多年来的残暴和流血,使叙利亚成为一个巨大的人道主义危机的震中。”这幅作品出现在纳尔逊的专栏和埃菲尔铁塔。 2014年作品发布后不久,人们根据Banksy的作品制作了一段动画视频。影片有Idris Elba的画外音和肘部的配乐。 #WithSyriaWatch this video on YouTube 1分 45秒 后来,流行歌星Justin Bieber在自己的Instagram账号上传了一张纹了一个原作纹身的照片,然后很快将其删除。但很多人已经看到了,包括Banksy,Banksy在自己的Facebook上发布了这张照片,标题是“有争议的” 《女孩和气球》,2017年 随着英国离2017年大选越来越近,Banksy重现了一个不同版本的《女孩和气球》,气球采用了联合杰克设计。Banksy提出向某些选区的任何登记选民免费发送一份模板印刷品,前提是他们能用照片证明自己投了反对保守党的票。但这一提议在某些方面引起了不安,因为它似乎是一种贿赂,以影响选举。后来,因为选举委员会警告了他的影响,其中包括选举结果在这些选区被宣布无效,于是Banksy取消了提议。 《女孩和气球》,2006年,拍卖时被切碎 Banksy一直是个神秘的男人(或女人)。2018年10月5日,苏富比拍卖行(Sotheby’s)拍卖了一幅2006年的《女孩和气球》(Girl with

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这不是一支烟斗一马格里特最著名的画

《这不是一支烟斗》是比利时著名艺术家雷內·馬格利特的一幅画。这幅作品展示了一支烟斗,但在作品的下方,艺术家引用了一句法语”Ceci n’est pas pas une pipe”,翻译成英文的意思是”这不是一支烟斗”。这幅作品创作于1929年,但它至今仍然困扰着许多观众。 当你看那幅简单的画时,你会看到一支烟斗。即使你盯着它看几个小时,它仍然是一支烟斗。但是,当你看到下面的字说它不是烟斗时,你可能会开始怀疑你理解艺术的能力。在你疯狂地试图弄清楚它是什么之前,我想告诉你,请放心,从最广义上讲,它是一支烟斗。但从技术上讲,他不是一只烟斗,他是一个画着烟斗的作品。 招待会 这幅画引起了观众的一些反响,因为它表示了虚无主义的观念。在一次采访中,雷恩为自己辩护说: 著名的烟斗。人们怎么能为此责备我呢!你能为这烟斗填上烟丝吗?并不能,这只是一个代表不是吗?如果我把文字换成“这是一只烟斗”的话,就一定是在撒谎。 烟斗下方的法文 画下方的文字传达了一个简单的概念,任何观众都可以快速理解。它不是一支烟斗,而是一支烟斗画。”如果它不是烟斗,它是什么?”这问题比一个需要答案的问题更深刻。看似简单的语言失态,实际上是语言构造方式的有意设计。 超现实主义 “这不是一支烟斗”是一个超现实主义的作品,是一种艺术家理解情感和想法的艺术方式,不会因为想将图像和你头脑中已经知道的东西联系起来而使图像变得复杂。超现实主义意味着在艺术上保持诚实。马格里特使用超现实主义的概念,通过相似性打破你的认知。 超现实主义始于1924年,由法国诗人安德烈·布雷顿创立。它最初是一个实验性的艺术概念,旨在消除富裕社会传统的、压迫的理性主义。超现实主义旨在鼓励观众的想象力,并在没有任何意识和理性控制的情况下创造观念。 过去,大多数超现实主义者都尝试用新的方法来表达自己,但马格里特保留了他作为商业艺术家时发展起来的直率的表达风格。马格里特和其他几位超现实主义者旨在彻底改变社会过去看待、思考和体验事物的方式。马格里特认为自己是”画家中有思想的人”。 分析与意义 “这不是一支烟斗”可以根据观众的感知以多种方式进行解释。例如,它不是一支烟斗,而是帆布上的油画,可以装满烟草和烟熏。这幅画鼓励观众利用他/她的自由思维去探索人类已经建立起来的、广为人知的思维链中的逻辑捷径,并鼓励观众探索其他思维。 “这不是一支烟斗” 鼓励社会从字面上理解事物。与当代概念艺术家相比,在马格里特的作品中,他以幽默的方式破坏了社会对现实本质的哲学假设。 就像艺术家的许多其他作品一样,”这不是一支烟斗”并不是乞求观众问”这是什么?”的问题,相反的,艺术家们发现自己在问。这幅画显示了马格里特对混杂的图像和文字的迷恋,这可以归因于他曾经是一个商业艺术家。 对观众来说,马格里特的绘画如此令人不快和困扰是因为人类并不真正”知道”的东西,只能通过语言来了解他们的图像。我们认为,我们所看到的和我们所说的话之间是相互对应的,但这在现实主义中是不成立的。 “这不是一支烟斗”的目的是让观众质疑他们的现实。这让他们质疑事实,以及他们认为他们知道的一切。当你以开放的心态看待这幅画时,你觉得你知道的一切都变成了一个不熟悉的陌生人。你不会再看到同样的事情了。 法国哲学家米歇尔·福柯关于这幅作品 要理解”这不是一支烟斗”,他/她需要先理解自己。他们需要明白,语言和现实没有任何有机的关系,当你看到事物的名称时,它们不会出现。这一论点得到了法国哲学家和社会理论家米歇尔·福柯的支持。 在他的整个职业生涯中,米歇尔·福柯探索了当代艺术表现体系。他用雷內·馬格利特的《这不是一支烟斗》来说明他的观点。福柯同意马格里特的观点,即标志具有任意性、间接性和常规性。 根据福柯的说法,”这不是一支烟斗”并不”奇怪”,因为画上的形象(烟斗)和文字之间的矛盾反驳了图像(”这不是一支烟斗”)。他坚持认为,矛盾只能存在于两个文本或语句之间,而在”这不是一只烟斗”中,只有一个文本和一个图像。 关于艺术家 雷內·馬格利特以创作幽默的图像而著称,这些图象引发观众认真思考。他经常使用熟悉的图像或事物,但用不同寻常的环境去表现它们,从而挑战观众对现实先入为主的敏锐性。他对艺术的看法影响了许多人,吸引了来自流行艺术、概念艺术和极简主义的大量追随者。尽管雷内·马格里特在1967年去世,但他的画作至今仍在激励着观众,可能还会激励不可预见的未来。 雷内·马格里特经常诱使观众质疑他的作品,与其他概念艺术家如小野洋子、艾未未或珍妮·霍尔泽相比,他不那么具有挑衅性。马格里特经常利用重复性,批评家对此不屑一顾,他利用这一点出了几本他最著名的作品。 马格里特不是一个艺术家 这幅画也许描绘了马格里特的性格和行为。如果你想到“这不是一只烟斗”以及画家不认为自己是艺术家这一事实,你会发现“这不是一直烟斗”和“这不是一个艺术家”之间有某种关联。 马格里特也从不认为自己是一个画家,而是一个哲学家,理论家,或思想家,他利用日常和常规的事物,以视觉形式传达他的哲学思想和想法。 与其他“艺术家”不同,马格里特的主要目的是向社会表达一个简单的想法,这在他的其他作品中很容易看到。马格里特用自己的技巧鼓励社会使用不同的图形、文字、重复、错误命名的图像、镜像和部分隐藏来创造一种神秘的幻觉。 传记 雷内·弗朗索瓦·吉斯来恩·马格利特是比利时人,出生于1898年,是超现实主义艺术的先驱之一。他是他三个兄弟中的老大,他的父亲是个商人。由于他父亲的工作性质,他们经常在全国各地搬家。马格里特的母亲在他很小的时候就自杀了,这对他影响很大,他沉浸在文学和艺术中以缓和这种情绪。就在这段时间里,马格里特成为了一个绘画爱好者。 1916年,他离开家,去了首都布鲁塞尔,在艺术学院呆了一段时间。在这期间,他和维克托·瑟夫兰克斯成为了朋友,他对马格里特的艺术思想产生了重大影响。马格里特也受到了费迪南德·莱格和让·梅津格的作品的影响,这些作品将他引入了立体主义。 根据比利时法律的规定,马格里特需要服兵役,之后不久,他与儿时的朋友乔治特·伯格结婚。马格里特做过几份工作,比如墙纸厂的绘图员和自由海报设计师。1926年,马格里特与布鲁塞尔的半人马画廊签订了一份短期合同,成为一名优秀艺术家。在画廊期间,马格里特偶然发现了乔治·德·基里科的作品,这使他成为超现实主义者。 他们搬到法国巴黎,在那里呆了三年。在此期间,马格里特遇到了安德烈·布雷顿的超现实主义者,如艺术家萨尔瓦多·达利和马克斯·恩斯特。与同时代人一样,马格里特也曾尝试过歇斯底里症和疯狂等“黑暗”的主题,但后来转向在作品中使用文字和语言。 1930年,马格里特搬回布鲁塞尔,开始从事商业广告工作。他的批评者声称,他可能利用伪造其他作品来获得收入,没有足够的时间发展自己的艺术技能。 到了20世纪30年代末,马格里特的作品开始引起国际艺术收藏家的兴趣,很快他的作品就闻名于世。这使他考虑放弃他的商业工作。正当马格里特的作品开始表现出成功的迹象时,他又遇到了另一个障碍:二战。尽管如此,他还是延续了类似的艺术风格。他还尝试了一个丰富多彩的印象派调色板,以对抗战争的单调。 马格里特很快就尝试了一种他称之为“牛”或“奶牛”的不协调的风格,这种风格以粗俗的物体为特征。不出所料,牛很不受评论家的欢迎,所以他又回到了自己原来的鲜明风格。马格里特的作品展示了视觉是如何依赖于语言的。“这不是一支烟斗”,正如下面的“烟斗”一词也不是烟斗一样。奇怪的是,对于这幅画到底是什么有无数的翻译和想法,这些想法供任何人看。 这位艺术家的视觉语言大多建立在极度简单的基础上,这使得他的画比其他艺术家的画更令人难忘。雷内·马格里特作品的认可价值使其成为当今流行文化中受人喜爱的元素。 结论 今天,马格里特的作品在巴黎展出。此次展出旨在探讨马格里特对哲学的浓厚兴趣,以及他是如何将自己的哲学思想转化为艺术的。在接受路透社采访时,蓬皮杜所有者迪迪埃·奥廷格说: “显然,哲学传统总是拒绝或蔑视图像,因为图像属于感官世界,而文字属于知识世界。马格里特想与哲学家们进行理论斗争,证明图像可以像语言一样表达思想。“ 简言之,马格里特并不完全对他创作的画感兴趣,而是对艺术如何改变我们的世界观感兴趣。“这不是一支烟斗”告诉我们,我们想要的东西并不像我们看到的那么不起眼,而是它的意义隐藏在我们面前的东西的后面。但要消除这种障碍绝非易事,因为我们的眼睛与物体没有任何关系,相反,它是我们头脑中的思想和语言。 仅仅看一眼这幅画就能给你的生活带来一个全新的角度。这是因为你不再相信自己的眼睛。你的眼睛看到的图像只是一幅普通的画,并不有趣,但你的思想可以掌握作品和发人深省的问题背后的奥秘。

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白南准的传奇电子高速公路

《电子高速公路》是韩国艺术家白南准最著名的作品之一。它表明他如何通过媒体技术解读一个多元化的国家。电子高速公路是一个大型设施,由336台电视机、50台可视播放器、3750英尺的电缆和575英尺的彩色霓虹管组成。 对游客的影响 当游客第一次看到电子高速公路时,便对他们产生了巨大的影响。音像媒体的浪潮,加上闪烁的霓虹灯,令人肃然起敬。将注意力集中在霓虹灯边界的任何州或为每个州播放的视频对话上则变得很有挑战性。 Nam June Paik - Electronic SuperhighwayWatch this video on YouTube 1分 4秒 白南准对美国各州的看法 通过这座巨大的科技雕塑,白南准不仅表达了他对美国这样一个多元文化国家的看法,还表达了他对我们未来的看法。每一个州都通过一个视频剪辑来表达他对各州的理解。白南准展示了电影和电视是如何形成我们对不同州的概念的。虽然一些州以流行的电视剧或书籍为代表,但他利用个人关系来描绘一些州。堪萨斯州以绿野仙踪为代表,俄克拉何马州以土豆为主题,而作曲家約翰·凱吉则代表了马萨诸塞州,阿肯色州播放了表演艺术家夏洛特·莫尔曼的影片,华盛顿州则播放了舞蹈指导默塞·坎宁安的舞蹈。 密苏里州播放电影“在圣路易斯见我”的肯塔基打吡的肯塔基州场景和印第安納波利斯500的印第安纳州场景。在爱荷华州,观察者可以看到在爱荷华州预选会议期间竞选的政治家,而伊利诺斯州则展示了芝加哥的快速场景,偶尔还会有亚伯拉罕·林肯的照片。科罗拉多州播放业余体育节目,密西西比州的美国黑人民权运动场景,而罗德岛州只有一台小小的电视。最后,来自南太平洋的场景展示其在夏威夷,阿拉斯加以冰雪为代表,南达科他州展示的是乔治·麦戈文,而不是拉什莫尔山,这可能更容易辨认。 这些以及更多的场景都是由白南准(Nam June Paik)挑选的,并通过他自己的镜头向我们展示。 白南准对未来的愿景 白南准将这个视频装置命名为电子高速公路,以表达他对未来的愿景。他设想,在未来,由于先进的技术,交流将是无边界的。值得一提的是,白南准的设想现在已经通过互联网得到了体现。事实上,这个词现在被普遍使用。 受美国公路系统启发 在另一个层面上,连接全国的美国的高速公路系统激发了白南准创建电子高速公路的灵感。视频剪辑速度非常快,以模仿人们如何通过行驶的汽车看到这个国家。 结论 电子高速公路由于其庞大的规模和各种不同的解释,继续让人们惊叹不已。它让我们注意到我们的世界是如何被技术定义的,他也让我们注意到了它带来的问题,比如我们的观念定型或信息过量。简而言之,通过这个视频艺术,白南准成功地代表了我们的时代。 位置 Smithsonian American Art Museum史密森尼美国艺术博物馆 F St NW &, 8th St NW, Washington, DC 20004, USA 美国华盛顿特区西北大街8号,邮编:20004 +1 202-633-1000 视频:白南准的艺术与革命 Arirang Special(Ep.312) Nam June Paik's Art and Revolution

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是什么让理查德·塞拉的倾斜弧形雕塑如此有争议?

理查德·塞拉是一位著名的雕塑家,以创作极简主义艺术品而闻名。他在耶鲁大学学习美术之后开始了他的职业生涯,当他在庆祝他的第四十岁生日后在纽约创造了1981的倾斜弧形雕塑。这时,他已经得到了高度的认可。这也是人们如此关注倾斜弧的原因之一。倾斜弧是一件长期用于美化福利联邦广场的艺术品,在成为激烈辩论的主题后,将于1989年重新安置。 倾斜弧 倾斜弧由美国总务管理局(GSA)委托。根据塞拉自己的评估,他原本打算把它放在曼哈顿下城雅各布·k·贾维茨联邦大厦(Jacob K. Javits Federal Building)前的福利联邦广场(Foley Federal Plaza)。 雕塑引起的争议 这座倾斜的弧形建筑高3.7米,跨度38米,其独特之处在于向一侧倾斜。如果政府在这座雕塑到来之前花时间让人们做好准备,它将是这座城市繁忙部分的永久例外。对上班族来说,这件艺术品在他们看来既丑陋又压抑,是一个有可能被涂鸦的障碍。当两份请愿书总共收集了1300个签名时,公然的抗议活动开始将其拆除或转移。由于GSA已经委托进行了这项工作,并且认为这座雕塑在这个地区很合适,因此他们仍坚持自己的决定,认为当地1万人中的1300个签名不足以影响他们的决定。 塞拉向法院起诉 这一强有力的立场将在1984年新市长上任后被推翻,在一次持续3天并由新市长担任裁决小组组长听证会上。理查德·塞拉也在听证会上发表了讲话,他坚持自己的立场,即倾斜弧雕塑是专门为该位置建造的,如果将其从该位置移走,将会破坏它。122位发言者赞成倾斜弧,50多位发言者反对。甚至在塞拉向法院提起诉讼时,法院也通过了倾斜弧将按命令销毁,如果塞拉想的话,可以把废墟带走。 视频:1986年理查德·塞拉的倾斜弧雕塑的审判 The Trial of Tilted Arc with Richard SerraWatch this video on YouTube 28 分 2 秒 音频:1985年采访理查德·塞拉 1989年拆除了这件艺术品 该艺术品于1989年被移除,倾斜的弧线从地面上移开并切割成3块。今天,这座弧形建筑所在的地方已经被景观建筑的组成部分所取代,使这个地方充满活力。 旧址 纽约曼哈顿下城联邦广场  

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欧文·沃姆一分钟雕塑

埃尔文·乌尔姆1954年出生于奥地利施蒂利亚州的布鲁克·德尔穆尔市。他以幽默的风格以及对日常生活的独特描绘而闻名。 自20世纪90年代末成为奥地利艺术家以来,埃尔文·乌尔姆(Erwin Wurm)一直致力于他的“一分钟雕塑”系列,即他或其他人经常在艺术空间内与日常物品摆造型。 学习经历 乌尔姆曾于1982年在美术学院和维也纳应用艺术学院学习。在此之前,他于1977年至1979年首次参加萨尔茨堡的莫扎特音乐学院。 大学毕业后,乌尔姆开始尝试不同的想法,用木头和金属油桶焊接成雕像。然后,他以抽象和非正式的风格绘制雕塑。他会使用常见的现成材料,如废金属、木材、木板或桶。使用这些材料意味着艺术家的工作不会那么麻烦。 早期雕塑与技术 20世纪80年代,乌尔姆创作的雕像描绘了各种艺术历史风格。这些人物会被扭曲、扭转和制作以暗示一种运动,或者融入未来主义及其所描绘的速度和动态。 乌尔姆会用他遇到的日常物品;螺丝钉,钉子,椅子,手提箱,应有尽有。他把它们变成令人兴奋的、通常会让观众怀疑真正意义的雕塑。乌尔姆目前在林贝格,维也纳和奥地利生活和工作。 一分钟雕塑 一分钟雕塑即模特们以奇怪和反常的方式与日常物品摆造型。这些雕塑是自发创作的,没有经过太多的思考。产生的图像是暴力或色情的,或以任何令人不快的方式产生的,并且通常超出了所述对象的实际使用范例。 一分钟的雕塑不使用任何传统的雕塑材料。它也不使用三维技术来创建可以展示的项目。这座雕塑被另一座“雕塑”所取代,这座“雕塑”能够完成第一座雕塑无法完成的任务——成功地从雕塑中分离出来。 灵感 一分钟雕塑的想法并不是立即产生的。在乌尔姆创作真正的雕塑时,有些事在缓慢的发展。在他的早期作品之一《第二步》(1984年)中,这个人物似乎即将离开自己的状态,走出“雕塑”——表明了解体的因素。 乌尔姆在几十年前开始开发一分钟雕塑系列,寻求以最简单的方法创建精确和快速的雕塑。对他来说,雕塑的定义很松散,这就是为什么他把他的每一件作品都称为雕塑,无论是照片、书籍、绘画还是视频。 在他的书《吞噬世界的艺术家》(哈杰·坎茨)中,乌尔姆说: 我对每天的生活感兴趣。所有围绕着我的材料,以及当代社会所涉及的对象和主题都是有用的。我的作品讲述了一个人的整体:身体、精神、心理和政治。 他是如何开始的 随着时间的推移,乌尔姆从使用3D对象转向使用照片和视频。他的第一件以视频为媒介的雕塑作品是“静止的我”(1990),这是一分钟雕塑作品的一部分。在视频中,可以看到一名男子一动不动地站着,头上顶着一个倒置的碗,用眼睛挡住观众的不自主动作。 当短片放在一个60分钟的循环中时,会产生一种静止的错觉。因此,通过延长时间,人们实际上可以将动作转化为雕塑,尽管是一个活生生的雕塑。 幽默 在一次采访中,他透露了幽默的使用,他说: 如果你以幽默感处理事情,人们立马觉得你不会被认真对待。但我认为,关于社会和人类存在的真理可以用不同的方式来理解。你不必总是非常严肃。讽刺和幽默可以帮助你更轻松的看待事物。 由于这些图像是一时兴起的,艺术家不会用传统的方式创造它们,而是会在电影中捕捉它们。虽然这些图像很幽默,但它们仍然无法逃避这样一个事实:它们以令人不安的方式放大了现实。 《一分钟雕塑》邀请观众更近距离地观看艺术作品,并推断作品想表达的潜在意义,之后“用幽默诱惑他们,让他们更接近雕塑” 然而,雕塑中的诙谐不应凌驾于作品所表达的潜在意义的重要性之上。乌尔姆认为,这些快速雕塑反映了我们与艺术世界的互动方式,也反映了我们在周围环境中的互动方式。 “红辣椒”的无法停止视频 乌尔姆的作品在世界范围内取得了成功,以至于他在艺术以外的其他领域也被人提及。他因启发了红辣椒的“无法停止”视频中的概念和图像而受到赞誉,该视频在 YouTube 上获得了 120.000.000 次观看。 Watch this video on YouTube 4分3 8秒 指导与参与 一分钟雕塑的作品旨在复制和模仿。艺术家鼓励人们反复表演。观众可以参与一分钟的雕塑,但他们需要放弃部分习惯。 如果您想以雕塑的形式参与其中,乌尔姆会以卡通的方式手写说明供你遵循。每项作品的图纸由埃尔文·乌尔姆创作的。有一段文字给出了具体说明,即指导表演者如何准确摆出一分钟的姿势。 在阅读并理解了雕塑的说明之后,您将获得一件日常用品,或者您可以使用任何您携带的东西。您需要通过将您的身体与该物体建立一种奇怪而可笑的关系来与该物体摆姿势。 如果您对物体摆出不自然的姿势,则需要保持姿势以捕捉电影或摄影中的动作所需的时间,通常不超过一分钟。正如您所料,这个姿势很难保持一分钟。 收藏埃尔文·乌尔姆作品的博物馆之一是位于美国加利福尼亚州的MAK艺术与建筑中心的辛德勒宅邸。在博物馆内,观众被邀请使用水桶、毛绒玩具、运动鞋和木棍等日常用品进行表演。 对现实事件的微妙暗示 在另一部名为《几何顺序中的道德规范》的作品中,对象是一把阿尔托·帕米奥休闲椅,其下背部有一个头部孔。参加该系列活动的人跪着,身体位于座椅上方,背部朝上。这样,头部就会穿过孔。此艺术引发了诸如断头台、蔑视、嘲笑和其他日常使用但会使人体处于脆弱状态或位置的物品的讨论。 一分钟雕塑作品可以和世界各地的许多情况相关联。上述例子可能与美国当前的政治局势有关,在这种情况下,可以将其解释为屈服和遵守的危险。 雕塑在不同时期也能唤起不同的感受。例如,在前一段时间,直接关联的可能是美国士兵在阿布格莱布监狱侵犯人权的病毒式照片。 另一方面,这座雕塑也可能与法国反君主制看法或英国公众身体羞辱的危险有关。无论“一分钟雕塑”中的雕塑唤起了什么,它几乎总是有一些道德成分。 视频:采访埃尔文·乌尔姆 Artist: Erwin Wurm_The Philosophy

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